Wie Hermann Naehring seine Schlagzeugtechnik für freie Improvisation erweitert
Hermann Naehring hat sich in den letzten Jahren mehr und mehr vom traditionellen Schlagzeugspiel entfernt und seine Technik bewusst erweitert, um den Anforderungen freier Improvisation gerecht zu werden. Auf seiner Webseite https://hermann-naehring.de/ beschreibt er eigene Ansätze, Experimentierfreude und die Motivation hinter diesem Weg. Was hier nicht passiert, ist ein bloßes Aneinanderreihen von Effekten; vielmehr geht es um eine Neudefinition des Instruments als Klangquelle und Interaktionspartner.
Ausgangspunkt: Vom Zeitgeber zum Klanggestalter
Viele Schlagzeuger beginnen mit der Idee, Rhythmus zu halten oder eine Band zu tragen. Naehring löst diese Erwartung. Er benutzt die traditionelle Technik als Basis, ersetzt aber die Rolle des “Metronoms” durch die eines klingenden Mediums. Dadurch entsteht Raum für statische Texturen, überraschende Pausen und mikrozeitliche Verschiebungen. Es geht nicht nur um schneller oder langsamer, sondern um Qualität des Klangs.
Vorbereitung und Set-up
Ein zentrales Element seiner Erweiterung ist das bewusste Vorbereiten des Sets. Becken werden mit Weichmachern, Filz oder Gummi gedämpft, Trommeln mit Tape oder kleinen Gegenständen modifiziert. Oft sind auch Zusatzklänge wie Metallobjekte, Maschinenteile oder elektronische Trigger im Spiel. Das Ziel: ein variables Klangspektrum, das zwischen perkussiver Artikulation und atmosphärischer Textur wechseln kann.
Konkrete Techniken
Seine Technik umfasst mehrere Ebenen. Zunächst arbeitet er an erweiterten Stick- und Handhaltungen, die ungewöhnliche Anschlagswinkel erlauben. Dann nutzt er Bowing von Becken, Reiben der Fellrandes mit Bürsten oder Kontaktmikrofone, um Obertonreiche Klänge hervorzubringen. Auch das Spiel mit unterschiedlichen Anspielpunkten auf der Trommel bietet neue Klangfarben. Es ist nicht nur das Was, sondern das Wie: geringe Lautstärke, subtiler Anschlag, kontrolliertes Noise.
Mikrodynamik und Mikrozeit
Ein Aspekt, der oft unterschätzt wird, ist die Arbeit an Mikrodynamik und Mikrozeit. Durch minimale Verzögerungen und feinste Lautstärkeänderungen schafft Naehring Spannungen, die für freie Improvisation essentiell sind. Diese Details funktionieren besonders gut in Duo- oder Trio-Situationen, weil sie Raum zum Antworten lassen.
Elektronik als Erweiterung, nicht als Ersatz
Elektronische Hilfsmittel sind bei Naehring Mittel zum Zweck. Loops, Granularsynthese und leichte Effekte wie Reverb oder Delay werden dosiert eingesetzt. Wichtiger als “Gimmicks” ist die Integration: die Elektronik reagiert auf das Schlagzeug, verändert aber nicht die Grundprinzipien des Spiels. So bleibt die Körperlichkeit erhalten, während das Klangspektrum wächst.
Improvisatorische Haltung und Kommunikation
Technik allein reicht nicht. Naehring betont die Haltung: Zuhören, Annehmen, und verantwortungsvolles Reagieren. In freien Settings fungiert er oft als Katalysator, der Ideen nicht überrollt, sondern erweitert. Das Spiel wird zu einer Art Gespräch, in dem Pausen ebenso wichtig sind wie Klänge. So entsteht eine Form, die nicht vorher festgelegt ist, aber dennoch kohärent wirkt.
Pädagogik und Üben
Seine Übungsansätze sind ungewöhnlich, aber praktisch. Übungen für Mikroanschläge, kontrollierte Unregelmäßigkeiten und das Training des Ohres stehen im Vordergrund. Er empfiehlt kurze, fokussierte Sessions, in denen das Ausprobieren und Scheitern erlaubt ist. Auch das Aufzeichnen und das anschließende kritische Hören gehören dazu. Dadurch verlagert sich das Ziel vom fehlerfreien Spiel zur klanglichen Neugier.
Auswirkungen auf Auftritte und Aufnahmen
In Live-Situationen schafft dieses erweiterte Vokabular Freiheit und Überraschung. Aufnahmen dokumentieren oft laborartige Klangexperimente, die im Raum ihre Wirkung entfalten. Die Herausforderung liegt darin, die Intimität und Spontaneität zu bewahren, wenn technische Mittel hinzugefügt werden. Naehring meistert das, indem er Technik und Musikalität gleichwertig behandelt.
Einfluss und Weitergabe
Was Hermann Naehrings Ansatz besonders macht, ist die Balance zwischen Forscherdrang und musikalischer Reife. Andere Schlagzeuger können daraus Impulse für ihre eigene Praxis ziehen, ohne seine Ideen kopieren zu müssen. Es geht um Prinzipien: Offenheit, Präzision, und die Bereitschaft, das Instrument neu zu denken.